El Fantasma del Paraíso (1974), de Brian De Palma

Cada nueva adaptación de un clásico debe (o debería) volver a recordarnos por qué nos sentimos fascinados por él, y desenterrar otra capa más de su aura mítica. 
Despellejar la carne hasta que solo quede el hueso, buscar incansablemente a través de nuevos medios con el único propósito de formular las mismas preguntas, y ver si somos capaces de responderlas de manera diferente.

'El Fantasma del Paraíso' es una mezcla de esas historias prometeicas, que da luz a toda una nueva visión sobre estos clásicos. 'Fausto', 'El Fantasma de la Ópera', 'El Retrato de Dorian Grey' y 'Frankenstein' se dan cita en los fotogramas de esta arriesgada apuesta, reconstruyendo un nuevo mito a través de piezas de estos referentes. Y encima añadiendo como telón de fondo la escena musical rock de los 70. 
Si algo tienen en común todas estas obras es la consumación de la máxima belleza a través de la corrupción de la misma: en todas ellas, lo amoroso se vuelve doloroso, y toda lucha es una obsesión febril contra la propia destrucción.

Evita (1996), de Alan Parker

Es casi una temeridad hacer un gran musical sobre la vida de Eva Perón protagonizado por Madonna. 
Pero detrás está Alan Parker, quien, algo más listo que el público, supo ver las evidentes similitudes de vida entre ambas personas y aprovechar la oportunidad. 
Ambas, mujeres que triunfaron solo con lo puesto, superando el abuso de muchos, gozando del favor de otros, odiadas por gran parte de la población, amadas por el resto. 
A Eva Perón se la calificó como "la Madonna de Argentina", por lo que el resto es silencio.

Esta gran historia musical se abre con la pantalla de cine como irónico espejo de la realidad: los espectadores, tan callados y ausentes mientras se proyecta el drama, lloran cuando se interrumpe y les anuncian la muerte de su gran Primera Dama. 
Antonio Banderas, ese extraño desconocido de pueblo llano, parece decirnos con sus ojos lo que los demás no se atreven a expresar: están llorando por un drama tan recargado y melodramático como el que han visto en pantalla.

A partir del extraordinario libreto musical de Andrew Lloyd Weber, vemos pasar a Eva por todas las etapas de su juventud, desde el chispazo inicial de querer ser parte de la gran manzana bonaerense hasta su colección de amantes despechados. 
Si bien no queda otra que sentir repulsa por una mujer manipuladora y agresiva, no es menos cierto que tan solo aprovechó su oportunidad: no quiso conformarse con nada ni nadie, y siempre buscó una razón en el futuro para seguir adelante aunque la sonrisa le fallara, o le dejaran por enésima vez la maleta en el pasillo.

La Última Noche (2002), de Spike Lee

"Enfrentemos nuestros pecados." 
Parece decir Monty Brogan, ese sensacional Edward Norton, en sus últimas horas antes de la cárcel, un mundo que no entiende ni quiere conocer. 
Lo que a primera vista puede parecer una manera ejemplar de aceptar las consecuencias de tus actos, pronto se revela pura fachada: Monty llora y patalea, tras esa coraza de hombre hecho a si mismo se encierra un chiquillo asustado. 
Un niño que va a perder sus juguetes y se ha dado cuenta demasiado tarde de lo que significa estar en un mundo de adultos.

'La Última Noche' es la historia de una pérdida de inocencia. 
Pero no de la típica que asalta entre el mundo infantil y la madurez, sino la propia que más tarde o más temprano nos sobreviene a todos en forma de puñaladas traperas. Cuanto más crees tener estabilizada tu vida, más fácil es que te den el hachazo y te obliguen a dejarla atrás. 
El precio a pagar por Monty es simple, es el de su propia estupidez, solo que esta vez no está detrás la mano buena de un padre o un amigo que te saque del apuro. Esta vez, has mosqueado al Sistema, con mayúsculas, y debes pagar.

La Delgada Línea Roja (1998), de Terrence Malick

La delgada línea roja. 
Ese pequeño trazo del mapa que solo los coroneles ven puede ser para ellos solo otra posición estratégica, solo otro punto a conquistar y limpiar de enemigos. 
Pero para los soldados de esa línea, es otra cosa: una realidad de muerte, confusión y dolor. Un paréntesis extraño que te arroja fuera de cualquier tipo de calidez.

La ubicación ya es simbólica de por si, la isla de Guadalcanal en la 2º Guerra Mundial. Con todas las atrocidades que sucedían en el Viejo Continente, parece hasta irresponsable situar la contienda en una isla perdida del Pacífico para elaborar esta historia bélica. 
Y sin embargo lloramos, nos maravillamos, estamos dentro de un conflicto como ningún otro. Dar notoriedad a algo que para muchos solo eran estadísticas al otro lado del mundo refuerza el mensaje de esta película. 
No se trata de ninguna infiltración en el Berlín ocupado, solo la toma de una colina. Tan solo conquistar un pequeño pedazo de tierra.

En ese lugar inhóspito se presenta un gran grupo del ejército, cada uno habiendo abandonado su felicidad atrás. Por qué, nunca lo sabremos, por qué esta guerra, por qué esta crueldad... demasiados por qués sin respuesta. 
Alterando la paz de los nativos, que tranquilos están (increíble aquel hombre andando tranquilamente entre el batallón), y trayendo el sonido de la muerte a lo que antes era una colina silenciosa. Otra vez nos tendríamos que preguntar por qué hombres buenos van a lugares alejados de sus casas y apuntan a la cabeza de su prójimo, otra vez sin respuesta.

Stoker (2013), de Park-Chan Wook

¿Naces... o te haces? 
La pregunta que plantea 'Stoker' es demasiado sencilla. Pero dentro, encierra múltiples matices, desacordes y experiencias.

Park Chan-Wook lo sabe y por eso opta en convertir la película en la experiencia sensitiva más brutal que el cine ha visto en, me atrevo a decir, años. Nunca con tan simples cimientos se pudo construir algo tan perturbador y fascinante. 
La tranquilidad está en la vena de toda la película, la cual no tiene prisa ninguna por mostrar sus cartas. Se regodea ella misma con la palpable incomodidad de los personajes, atenta sin embargo a cualquier explosión de mezquindad que se asome a la pantalla.

Berberian Sound Studio (2012), de Peter Strickland

El 'giallo'. 
Aquel género fruto de las mentes de un par de visionarios que, por cultura o simple inspiración, renovaron toda una manera de ver el terror, o concebirlo en pantalla. Una renovación que sugería cierto espíritu cultivado, de locos o genios, aunque esa frontera muchas veces se disipa. 
Se ha dicho que 'Berberian Sound Studio' es un 'giallo'. No lo es. 
Es un animal nuevo, diferente y sangrante, que como aquel género hiciera hace un par de décadas, coge sus hoy desgastados huesos y los lleva al siguiente nivel: el de la locura subconsciente.

Retrato de una Obsesión (Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus, 2006), de Steven Shainberg

El proyecto casi suicida de hacer una biografía sin ser una biografía. 

Y no de una artista cualquiera, sino de Diane Arbus, la famosa retratista de enanos, siameses, gigantes y marginados sociales; una visión del mundo en el cual lo turbador era la norma. 

Afortunadamente, la suma de otra visión diferente, la del director Steven Shainberg, impide que esto sea otra película de "ascensión y caída" y en su lugar, podamos realmente apreciar quién era Diane Arbus.