Vaiana (2016), de John Musker y Ron Clements

La eterna historia Disney.
Esa que cuenta el soñador esfuerzo de animadores voluntariosos creando mundos imposibles e historias memorables, que perduran de generación en generación, y la inmensa marea de espectadores que están hartos de ver "lo de siempre".
Sorpresa, no tienes que ir al cine a ver lo que no quieres. Querido espectador hastiado, sabemos que te gustan las historias blandas de contenido, los personajes monos y puros como la leche para adornar tu Tumblr con infinitos gifs, y el enésimo sabor de la semana que se conforma con escribir en letra pequeña en la historia de la animación; tan solo otra de dibujos para entretener a los críos.

Yo, Daniel Blake (2016), de Ken Loach

"Gente buena, gente honesta, en la calle."
Con esta frase se refiere una trabajadora social a todos los que, al contrario que Daniel Blake, no han tenido tanta "suerte" como él.
Aquellos que han tenido la desgracia de verse mendigando, sin acceso a trabajos pobremente remunerados, inciertas ayudas o procesos administrativos eternos.
Y cabe preguntarse si esa "suerte" se puede definir como tal, o nuestro sistema laboral la ha transformado en una triste parodia de si misma.

'Yo, Daniel Blake' no pretende ser comentario social, ni político.
Al contrario, se quita cualquier asomo de solemnidad, cualquier rastro de orgullo, y busca ser un alegato humano. Nada más sencillo, y a la vez más complejo, en tiempos en los que hay que buscar un culpable a la fuerza.

Que Dios nos Perdone (2016), de Rodrigo Sorogoyen

Asesinos en serie, crueldad policial, miseria humana y social.
Suelen ser cosas derivadas unas de otras, pero casi siempre se sienten separadas cuando se ven en las noticias.
Uno no puede concebir que alguien asesine metódicamente por placer, no, "eso no pasa" (aquí en España). Tampoco tiene sentido que aquella anciana del tercer piso fuera golpeada hasta la muerte, fijo que tuvo un ataque o simplemente le llegó la hora.
Y qué asco los maderos tío, siempre dando por culo.

En 'Que Dios nos Perdone' todo eso está relacionado, por unos hilos tan finos que solo se percibirían si se viera todo el proceso desde fuera, como hace el espectador.

Un Monstruo viene a Verme (2016), de Juan Antonio Bayona

La figura de una conciencia infantil no es tan extraña como pudiera parecer.
Al fin y al cabo, ¿qué sería de un niño si no pudiera contar con un amigo inseparable con el que compartir miserias y alegrías?
Y si además puede estar ahí incondicionalmente, de la manera en que los adultos no van a estar, mejor que mejor.

'Un Monstruo viene a Verme' es esa clase de historia, salvo por una pequeña cosa: la conciencia infantil que podría tomar forma amable es un horripilante monstruo de varios pisos de alto, compuesto de ramas nudosas y ojos que parecen carbones al rojo. La conciencia apropiada para un joven, Connor O'Malley, que como dice el propio narrador, es "demasiado mayor para ser un niño, demasiado pequeño para ser un hombre".

Crisis in Six Scenes (2016), de Woody Allen

Decía Woody Allen que no sabía lo que iba a resultar de su acuerdo con Amazon, que lo había tomado por el dinero y la presión de sus allegados, pero que no se veía capaz de rellenar seis capítulos de historia.

Y una vez vista... hay que darle la razón al bueno de Woody.
Por algo los maestros lo son, porque saben dónde se han equivocado.
'Crisis in Six Scenes' no es tanto una serie como una descarada película de tres horas, cortada en los mínimos veinte minutos exigibles seis veces para que sus partes sean algo parecido a capítulos. Pero carecen de ritmo, de foco y hasta picos de interés apropiados, con descarados "machetazos" allá donde acaba cada uno.

Luke Cage (2016), de Cheo Hodari Coker

En la genial intro de esta serie se presenta una curiosa imagen: el cuerpo de un hombre donde se proyectan distintas calles y avenidas del barrio de Harlem, casi como tatuajes que llevara marcados en la piel, que forman parte de su esencia tanto como él de la suya.
Es justo esa idea la que se establece y se desarrolla a lo largo de los trece capítulos que la componen, porque Luke Cage es el primer héroe de clase obrera con conciencia social. Para él, no importa tanto dar su merecido a los villanos, como despertar a su gente para que dejen de aclamarlos como ídolos.

Los 7 Magníficos (2016), de Antoine Fuqua

Da la impresión de que el western, hoy por hoy, está condenado a desnaturalizarse.
Abundan últimamente los ejemplos irónicos, posmodernos, intimistas, fantasiosos... de un género al que le cuesta encontrar adeptos en el nuevo siglo, algo que se entiende viendo la sobreexplotación que tuvo en décadas pasadas.
El clásico vaquero y su revólver han quedado obsoletos, dejando un triste páramo en el género que está lejos de llenarse por parte de quienes pongan la pasta.

Teniendo eso en cuenta, 'Los Siete Magníficos' casi merecería la categoría de milagro.

Stranger Things (2016), de The Duffer Brothers

‘Stranger Things’ es todo lo que quisimos desde siempre.
Es Pennywise adoptando la forma más aterradora que nunca vimos. Es el barco de ‘Los Goonies’ lleno de piratas zombies. Es la Nada consumiendo Fantasía con todo lujo de detalles. Son los matones de ‘Cuenta Conmigo’ siendo tan crueles como parecían ser. Es ver al Rey Goblin seduciendo a Sara para llevársela a la cama.
El secreto de su éxito radica en, paradójicamente, no pisar el freno en lo que nuestra mente infantil no alcanzaba a imaginar, y nuestra mente adulta piensa todo el rato. Es ver por fin detrás de la puerta prohibida. 

El Hogar de Miss Peregrine para Niños Peculiares (2016), de Tim Burton

El 1º Bucle Temporal nos lleva a principios de los 90, o quizá un poco antes, a finales de los 80.
Tim Burton es el grandísimo director que creaba mundos fantásticos plenos de cierta melancolía y tristeza, maravillosos, pero ante todo tremendamente humanos.
Prácticamente ese es el Burton que recuperamos al principio de esta interesante fábula, solo que encima con el plus de sabiduría que da la madurez: la historia de Jake, otro eterno marginado, está punteada por las fantásticas narraciones de su abuelo Abe, que le habla de un orfanato oculto en Gales donde viven los peculiares niños de Miss Peregrine, y nuestros ojos se abren casi tanto como los del pequeño cuando le oímos hablar de monstruos terribles o chicos invisibles, a los que encima da forma con irreales fotografías antiguas.
El gusto es doble porque, como digo, Burton ha aprendido con la edad y ya no juega al despiste metiendo su habitual imaginería cuanto antes. Al contrario, la soleada California donde vive Jake nos recibe desde la primera escena, con sus casas bajas y líneas rectas, donde la única posibilidad de escape reside en la ilusión de que algún día Jake encontrará el perdido orfanato.

Captain Fantastic (2016), de Matt Ross

En un primer momento, en 'Captain Fantastic' no hay ni rastro de los toques de comedia costumbrista que retrata su tráiler: el degollamiento y posterior despellejamiento de un ciervo, envuelto en sangre y barro, borra repentinamente toda expectativa amable de la película.
Llama la atención que se haya querido iniciar así, tan cruda, tan fría, tan metódica, pero solo es una manera de romper moldes, y volver a rearmarlos. El director Matt Ross no quiere que veas a Ben y sus hijos como unos bichos raros simpáticos, no.
Quiere que les conozcas. Que pases tiempo viendo sus sencillas relaciones. Si puedes, acércate a cada uno de los pequeños y observa sus rusticas manualidades. Sube con ellos la montaña sudando al calor de un sol otoñal. Y canta con ellos a la luz de la hoguera, tanto y tan alto como si no importara otra cosa en el mundo.

No Respires (2016), de Fede Álvarez

Al principio, solo vemos un barrio desolado de Detroit.
Y, como si fuera el microscopio de un sociólogo curioso, la cámara acerca su lente a pie de calle, descubriéndonos a un hombre arrastrando un cuerpo.
Lo que parecía un simple barrio se transforma, con solo mirar más de cerca, en una estampa de terror.

'No Respires' tiene mucho de eso: su desarrollo se compone de insignificantes momentos y detalles, que una vez pasados acaban provocando una huella permanente más allá de la primera impresión.
Sus personajes también se benefician de este trato, pues a primera vista no son más que una pandilla de ladronzuelos de tres al cuarto, que sobreviven con lo que consiguen sacar de casas adineradas. No es hasta más tarde, lejos de sus operaciones de infiltración, cuando se revelan vulnerables, tristes y atrapados en un entorno que preferirían cambiar algún día.

Juego de Armas (2016) de Todd Phillips

Otra historia basada en un artículo periodístico.
Y, como no podía ser de otra manera, con el mismo interés que un artículo periodístico.
Lo lees, piensas "vaya, qué curioso" y a otra cosa.

'Juego de Armas', lejos de romper ese ciclo, le hace honores: renuncia a dejar huella alguna, y pasa del drama a la comedia en dos segundos, dejando sensaciones tan repentinas como fugaces.

Summer Camp (2015), de Alberto Marini

El género de terror está encorsetado hasta límites ridículos.
A poco que no se tenga una idea medio original, o un planteamiento potente, son pocas las opciones de llegar al final de la partida manteniendo la dignidad de la historia.
Todo está atado a unas señas de identidad invariables, a unos códigos que se repiten en eterno bucle, porque sabemos que el asesino va a aparecer justo allí y va a hacer justo eso para que el protagonista solo pueda escaparse por ahí, acabando en las garras de eso otro.

Mascotas (2016), de Chris Renaud

¿Sabes cuándo estás viendo la tele por verla, siguiendo un programa con moderado interés, hasta que la apagas y cuando te levantas ya ha olvidado lo que estabas viendo?
Algo parecido le ocurre a 'Mascotas'.

Escuadrón Suicida (2016), de David Ayer

El universo DC muta de nuevo.
Tras presentarnos un enfrentamiento entre los dos superhéroes más opuestos y famosos de su catálogo, esta vez rebusca en la trastienda y nos trae una historia de los villanos, algo inusual, bastante más interesante de lo que aparenta.
Es importante recalcar el hecho de que 'Batman v Superman: El Amanecer de la Justicia' viene justo antes de esta, porque una es consecuencia de la otra, y las dos se ambientan en un mundo de metahumanos que se está volviendo cada vez más peligroso y político, donde se diría que que no hay lugar para una corrección moral: las buenas intenciones se las dejaremos a unos héroes que todavía las están buscando; estos son los villanos y no conocen esa opción.

Star Trek: Más Allá (2016), de Justin Lin

La saga 'Star Trek' cumplirá medio siglo de existencia este año.
Han sido cincuenta años de aventuras más allá del universo conocido, de razas alienígenas visitadas, conflictos de todo tipo y, sobre todo, entendimiento de lo ajeno o incomprensible. Es imposible no emocionarse un poco ante esta perspectiva, y reflexionar sobre todo el camino recorrido.
El espacio nunca fue tan grandioso, aunque a la vez tan pequeño.

La Leyenda de Tarzán (2016), de David Yates

De entre todos los increíbles aciertos que atesora esta historia, uno de ellos es aceptar su origen.
Los creadores de este Tarzán moderno saben que hemos escuchado la historia miles de veces, conocemos su principio y final, hasta el punto de que se ha convertido en algo tan natural que volverla a contar sería engañar al público: el hombre criado por gorilas en la jungla hace mucho que vive en nuestra imaginación.
Tampoco hubiera funcionado modernizarlo, volverlo un superhombre que vuela más que se balancea, y hay que agradecer que ni lo hayan intentado.

Independence Day: Contraataque (2016), de Roland Emmerich

No hay absolutamente nada en toda esta secuela de 'Independence Day' que permita la redención para los que despreciaron la primera.
Pese a su filtro de elegancia y gran espectáculo (inevitable peaje actual) sigue siendo lo mismo que ya fue en 1996: una increíble invasión extraterrestre concebida desde la pura diversión y magnificencia, sin por ello despreciar el drama y hacer querer a sus simplones personajes.

Noche Real (2015), de Julian Jarrold

Nada más empezar, el rostro de la princesa Elizabeth pasa del blanco y negro a color.
Lo que podría ser solo un recurso de estilo para traer a una realidad más tangible imágenes estáticas del pasado, noticiarios sin rostros o sentimientos, pronto se revela como un paso necesario para lo que se va a ver.
Esto no son recuerdos de una Reina joven: es la historia de Lillibet, una muchacha como cualquier otra.

'Noche Real' se convierte en una película que cae inmediatamente bien justo por eso, por la cara, inesperadamente amable y cargada de dudas, que hace su aristocracia, pero también por el sentimiento sincero de diversión que recorre cada fotograma.
Casi se puede ver la consciente intención de entretener más que de dar una lección de Historia: nadie sabe si las princesas realmente salieron a bailar en la noche de la Victoria, pero a quién le importa. No debería hacerlo, desde luego, justo en este relato, porque parece más cómodo en la posibilidad que en la realidad, sin dejar por ello de jugar a medio camino entre ambas.

High-Rise (2015), de Ben Wheatley [XIII Muestra Syfy]

Es curiosa la forma de presentar el espacio del 'High-Rise'.
Siempre vemos al imponente y moderno edificio desde fuera, o inmersos en la vida en sus pasillos, habitaciones y balcones, como si de dos cosas distintas se tratara. Nunca hay un plano que nos ubique geográficamente, que nos haga de verdad saber "dónde está cada cosa".
Por lo que, presentado así, el High-Rise se antoja un gigantesco microscopio, que solo nos da las respuestas si miramos más de cerca, a través de su lente. Desde fuera no vemos lo que hay dentro, pero en el interior está todo lo que puede existir.

La Venganza de Jane (2016), de Gavin O'Connor

Debería ser 'Jane cogió su Fusil'. O, en su defecto, su pistola.
No es 'La Venganza de Jane'. Natalie Portman no sale a buscar la sangre de nadie, y no hay satisfacción ninguna en todo el camino.
Esto no es el relato glorificado de una mujer que un día dijo basta, sino más bien la historia crepuscular de una esposa/madre/ama de casa que se cansó de huir de los fantasmas que no dejaban de perseguirla.

Monsieur Chocolat (2016), de Roschdy Zem

En una biografía, casi siempre se suele seguir cierto patrón.
Tenemos el inicio de una prometedora estrella, casi siempre sus luchas con la fama o contra su propio ego, para finalmente mostrar como, a fuerza de voluntad, pudo salir adelante el retratado, dejando su huella en la historia por la que se le recuerda.
Un ciclo tan tópico como caducado, que se repite casi siempre, probablemente por el cariño que el director o creadores le tengan a la persona real.

La historia de Chocolat, por suerte, esta lejos de la glorificación ideal de una biografía.
Estamos tan acostumbrados a la figura del mártir, que sorprende ver cómo se esquivan hábilmente las trampas habituales de este sub-género, y se llega a un punto medio entre la fama merecida y la colleja ganada.
Monsieur Chocolat no fue un santo, fue una persona pionera y con talento, pero tampoco fue un imbécil, solo cometió errores que cualquiera podría haber cometido, fruto de su posición social y su época.

El Niño y la Bestia (2015), de Mamoru Hosoda

'El Niño y la Bestia' podría ser solo la fábula de un mundo animal oculto a nuestros ojos, contado a la luz de unas llamas que, en sus primeros minutos, crean imágenes fantásticas en nuestra retina.
Pero pronto se desprende de esa épica coraza inalcanzable y deja notar que, muy al contrario, es una historia de hijos en busca de padres, y de maestros enseñados por sus aprendices.

Es entonces cuando se vuelve humana, y cercana, pese a la magia que la rodea, algo que es muy necesario por la cantidad de conceptos que atesora.
El bien y el mal, la Luz y la Oscuridad. Ren, nuestro protagonista, se encuentra solo en Tokyo sin familia, y la Oscuridad que lleva dentro, en forma de abandono y rabia por un padre ausente, amenaza con llevarse por delante su frágil mente, todavía joven y sin experiencia.
Sin embargo, existe espacio para la maravilla: en una ciudad de caras ausentes, la primera cara que por fin Ren se atreve mirar es la de unos bestiales ojos rojos y unas fauces que dan forma a un hocico. Seguir a esa figura misteriosa no es tanto una misión como un impulso, a un callejón misterioso y étereo, donde pronto se verá rodeado de figuras animales antropomórficas.

La Invitación (2015) de Karyn Kusama [XIII Muestra Syfy]

Las reuniones de viejos amigos suelen ser incómodas.
Va con su naturaleza, porque sentarse alrededor de una mesa tomando vino y rememorando batallitas puede ser el perfecto pasatiempo, aunque también la perfecta excusa para sacar a la luz viejos fantasmas.
Por eso no es difícil empatizar con Will en esta reunión particular, porque también nosotros nos sentimos desplazados entre sonrisas que parecen falsas y habitaciones que llevan a un pasado cerrado: hay un sentimiento de inquietud, constante y prolongado, en esta fiesta.

Bone Tomahawk (2015), de S. Craig Zahler [XIII Muestra Syfy]

Esto no parece un western, parece un documental.
Una decapitación a traición es el ritual de inicio que nos prepara para el sentir general: esta es una historia sin concesiones, de gente que pudo existir de verdad, de los que probablemente nunca sabremos nada.
Pero sí sabemos que se mataba o se moría por lo que se quería, daba igual cuál fuera el precio.

'Bone Tomahawk' sigue así, las reglas tradicionales del western, hasta que decide traicionarlas, orgullosamente, para sacarnos a territorio desconocido.
No creemos que la Tierra pueda ser redonda viendo la enorme extensión de llanura que se abre hasta el horizonte, como menciona uno de los personajes. Pero más adelante, tampoco podemos creer que esté desierta, ni tampoco civilizada.
En esa tierra más allá del pueblo fronterizo no hay leyes, no hay dioses, y por no haber no hay ni hombres. Solo aullidos en la oscuridad seguidos de silencios desoladores.

Generación Z (2015), de Steve Barker [XIII Muestra Syfy]

Realmente, al muerto viviente tradicional le queda poco por hacer por nosotros.
Le hemos analizado, le hemos hecho testigo, le hemos dado sentimientos, razones y hasta alegorías políticas.
Ha pasado de ser un terror nocturno a ser metáfora de muchos problemas reales en el nuevo siglo, sin nunca perder la carne putrefacta o el hambre voraz

Incluso nos hemos burlado de él y convertido en objeto de parodia, porque así sucede con todo lo que se repite, que a fuerza de hacerlo pierde capacidad de sorpresa.
Le hemos convertido en un parque temático, uno barato y con altas posibilidades de ser disfrutado, hasta el punto de que cuando cualquiera lo ve aparecer en cualquier historia siempre espera a ver de qué manera creativa despedazará al pardillo y será rematado por el protagonista.
Es más una estructura que una verdadera amenaza, porque siempre se puede recurrir al clásico "una de zombies" aunque se hable de una venganza, un viaje o cualquier otra cosa.

Vulcania (2015), de José Skaf [XIII Muestra Syfy]

La distopía, como género, viene a ser la perfecta excusa para hablar del individuo.
Es decir, aquel que, consciente de su condición de engranaje dentro de una máquina uniforme socializada, decide tomar las riendas de su destino, a pesar de que fuerzas casi siempre superiores le opriman.
Entonces, como tal, ese individuo debería poseer un don, único y especial, por el que a través de él veamos lo diferentes que somos, y lo mucho que podemos aportar. Resumiendo, que tu distopía vale lo que vale tu protagonista.

El Amor es Más Fuerte que las Bombas (2015), de Joachim Trier

Ya en el prólogo, Joachim Trier expresa perfectamente qué es exactamente de lo que quiere hablar.
La mano de un bebé agarrando el dedo del padre simboliza ese amor puro, profundo, incondicional, no contaminado por ninguna de las dos partes con expectativas de ningún tipo. Simplemente existe, y es algo que se extiende a su esposa, la que ha dado la vida a la criatura.
Luego, vemos a ese mismo padre deambular por el pasillo de un hospital, para acabar topándose con su ex-novia, a la que oculta la verdadera razón de por qué está allí. Es un gracioso equívoco, a la vez una mentira grande, pero diciendo la verdad probablemente solo conseguiría transformar un gesto de apoyo en una situación incómoda, y ella no se lo merece.
Ambos son dos maneras de querer, y llegan al mismo resultado: estar próximo a otra persona que necesita nuestro cariño.

Brooklyn (2015), de John Crowley

Muchas veces te ves obligado a irte.
Por vida, por trabajo, por circunstancias generales que hacen posible tener que irte a otro lugar. En un mundo globalizado en el que vivimos, es poco probable que no te haya ocurrido alguna vez.
Y siempre se dice que nada cambiará, que volveremos algún día, que los recuerdos no se apagarán.

'Brooklyn', una historia del siglo pasado, nos demuestra que no es tan fácil como parece.
Que llegas a otro lugar, y rápidamente solo piensas en volver. Pero que, pasado el tiempo, puede que ese sentimiento de vuelta se diluya entre la gente, el trabajo, los pequeños momentos del día a día; en definitiva, la vida que pasa. Creemos y nos convencemos de que siempre recordaremos el calor del hogar familiar, pero un día nos olvidamos de él sin saber qué ha pasado.
Entonces estamos entre dos aguas, sin ninguna pista de cuál camino tomar, si es que hay que tomar alguno.

La Bruja (2015), de Robert Eggers [XIII Muestra Syfy]

Es muy difícil, hoy en día, inspirar algo parecido al terror.
Hemos visto criaturas de todos los pelajes y formas, hemos estado en todos los lugares encantados, hemos soñado con todos los psicópatas posibles. El terror hoy en día se enfrenta a su propio impresionante legado, y a nuestra propia incapacidad de sorpresa.
Es por eso por lo que 'La Bruja' es algo muy, muy especial.

La Verdad Duele (2015), de Peter Landesman

Él sigue intentándolo.
Impasible ante el desaliento, monolítico ante voces contrarias.
Olvidando que sus mejores interpretaciones vienen cuándo precisamente ni lo ha intentado.

Will Smith quiere su Oscar. El que por derecho le pertenece, por algún motivo, por ser de la realeza de Hollywood.
¿Su plan de acción?
La biografía tristona e insoportablemente inflada de un médico nigeriano que descubrió los peligros de dedicar una vida al fútbol americano, y se topó con la liga del propio deporte y su propio país pidiendo su cabeza.

Zoolander Nº2 (2016), de Ben Stiller

La primera 'Zoolander' nadie la esperaba.
Decir las típicas palabras "sátira del mundo de la moda" se quedarían cortas ante lo que era una monumental comedia al borde del surrealismo sobre un modelo masculino que buscaba restaurar su fama.
Situaciones absurdas, con personajes igualmente absurdos, redondeaban una película cuya mayor baza era ser tan inesperada en su tono como profundamente ridícula en su totalidad.

Años después, llega 'Zoolander Nº2', cual nombre de colonia, en un contexto muy diferente.
El mundo de la moda no ha cambiado demasiado, más bien ha degenerado, convirtiéndose en una triste auto-parodia de diseñadores "callejeros y auténticos", una marea de redes sociales y la tontería pretenciosa elevada a los altares del arte.
¿Cómo parodiar un mundillo que se burla de si mismo? Ben Stiller tenía la respuesta, y su personaje sigue haciendo mucha falta como espejo deformante al borde de la verdadera realidad.

Anomalisa (2015), de Duke Johnson y Charlie Kaufman

Empieza con voces. Miles de voces. Cataratas de voces.
Casuales, iracundas, explicativas, comprensivas, tristes, cariñosas... una risa nerviosa apuntala de fondo toda la locura que recorre el torrente verbal.
Hay mucho ruido, demasiado para poder prestarle atención, y de fondo está esa aplastante sensación de que es ruido inútil, sin objetivo.

'Anomalisa' es la historia de un oasis de voz en ese ruido.
Contada en un stop-motion extraño y algo rígido, que sin embargo poco a poco se va ganando sensación de realidad con cada pequeño gesto de los muñecos, hasta que solo la hendidura de su cara nos convencerá de que no son reales, se centra en uno de esos llamados "coach" de empresa, ayudadores de todos solucionadores de nada, deseando que todos se callaran de una vez, dejando de soltar palabras que no añaden nada a nada.
Michael Stone vive con una maldición: sabe que el mundo es mediocre, y que está completamente inmerso en él. Nada que le salve ni le alivie, a no ser promesas rancias de recuperar algún tipo de brillantez anterior, por eso repasa constantemente la carta de una antigua amante tratando de sopesar todos los insultos y oportunidades perdidas. Por si acaso.

Zootrópolis (2016), de Byron Howard

Hay un pensamiento muy ligero en mencionar que esta podría ser una historia de Pixar.
No me voy a poner a defender cada compañía por lo que representa o por lo que ha venido contando, pero sí parece que ante la sofisticación de tramas y renovación de conceptos actual que hace Disney muchos vuelven la vista al hermano mayor, Pixar, mencionando que seguro les han echado una manita en el desarrollo.

Y pregunto: ¿no fue Disney el primero, el pionero que nos llevó de la mano a las vidas de perros y gatos, mostrándonos que tienen sus costumbres y romances? ¿no fue Disney la que construyó un Nottingham poblado por animales emulando la leyenda del mejor arquero de los bosques?
¿No se merece Disney progresar sobre sus historias, sabiendo dónde se han quedado atrás, y actualizarlas para una nueva generación libre de prejuicios? Sí, se lo merece sin que le digamos que no ha podido hacerlo sola, porque siempre pudo hacerlo de esa manera. Y, de igual manera que una reina del hielo rompió las convenciones del "relato de princesas", esta es una historia que se propone lo mismo con los animales antropomórficos.

Carol (2015), de Todd Haynes

Se puede notar el frío, desde la ventana cubierta de vaho del inicio.
Frío en la calle, y frío en una rutina de los 60, perpetuada hasta hoy, de levantarse pronto para ir a atender los trabajos, los hijos y las pocas ganas.
Es fría hasta la belleza glacial de Therese, una medida Rooney Mara, mientras continua su rutina diaria.

'Carol' es una mirada, detallada, fugaz, a los momentos en los que ese frío deja de existir.
En lo que por aquel entonces era un tiempo de mentes cerradas y absoluto seguimiento de lo que se consideraba "normal", Carol aparece como una inusual prueba de que se puede nadar a contracorriente, con su vestido rojo secuestrando nuestra mirada de una realidad de colores fríos.
El flirteo que establece con Therese no es para nada trivial: basado en miradas y sonrisas, cuando parece que a cada cliente que viene a la juguetería le cuesta demasiado sonreír o mirarte a la cara, no digamos preocuparte por tratarte como un ser humano. Una extraordinaria Cate Blanchett sabe que debe llegar y ser la anomalía interesante del día.

La Juventud (2015), de Paolo Sorrentino

Antes de la memoria, solo tenemos el sentimiento.
Una impresión, sincera y sin adulterar, perteneciente a un momento, que atesoramos con la esperanza de volverla a reproducir. El sentimiento se vive, se guarda y, finalmente, se sueña.
Después, ese sentimiento formará parte de nuestra memoria, y uno se pregunta si ese será su destino final, o por el contrario permanece para que lo reconozcamos una segunda vez.

'La Juventud' es un testimonio, una impresión.
Es una colección de vivencias en busca de sentido, también es una serie de cambios a la espera de realizarse. Es todo, y a la vez no deja de ser la nada. Tan pronto se detiene en cada detalle como permite sentir cada pequeño ruido que nos rodea.
Podría ser una serie de personas, no importa jóvenes o viejos, buscando aferrarse al recuerdo de un sentimiento ya olvidado. O quizá un muestrario de seres decadentes, que buscan un final satisfactorio para sus largas historias, imposibles de retener en la memoria.

Los Odiosos Ocho (2015), de Quentin Tarantino

Un crucifijo clavado en la nieve, entre nada y ninguna parte como quién dice, abre el relato.
Parece una especie de advertencia, del tipo "abandonad toda esperanza los que entréis aquí", no parece casualidad que la mirada en la cruz sea lo primero que veamos y lo último que deja atrás un carruaje que avanza pausadamente a su destino.
Aunque el abandonar toda esperanza viene más en el sentido bueno: abandonar toda esperanza de ver el típico relato fronterizo, esta es una obra teatral que no para de romper sus límites poniendo a prueba la capacidad maléfica de sus personajes.