12 Años de Esclavitud (2013), de Steve Mcqueen

Existe en '12 Años de Esclavitud' una crueldad espiritual que atenta contra nuestra propia moral actual. 
Hemos sido criados en una sociedad de héroes que, cuando son golpeados, golpean diez veces más fuerte física o emocionalmente. 
Por ello, no es de extrañar que la actitud que muestre Steve Mcqueen aquí sea la de mero narrador, más que esteta, y decida dar voz propia a algo tan ajeno socialmente, y a la vez tan cercano íntimamente, como la vergüenza, la sumisión o el callarse cuando toque.

Solomon Northup no es un héroe, ni siquiera es un reconocido miembro de su sociedad. Solo alguien querido y que quiere, el hombre normal que guarda el pan para mañana y la sonrisa para hoy. 
Mcqueen decide centrar su incisiva mirada en él, porque sabe que podemos verle a nuestro lado, hablando amigablemente con nosotros, saludándonos felizmente por la calle. No lo veo tanto como una herramienta de lágrima (oh, pobre él, que no se lo merecía) sino como una técnica de acercamiento: con su vida hogareña y relativamente acomodada, la calidez de Northup salva la distancia histórica de siglos que podrían convertir esto en una impresión semi-olvidada de otros tiempos.

Escape from Tomorrow (2013), de Randy Moore

Un hombre queriendo escapar del mañana. Una huida infructuosa, pero no por ello carente de sentido, sobre todo cuando el presente acecha con sus temores. 
Y si encima es en Disneyland, ese extraño limbo de felicidad en la Tierra, la extrañeza esta servida: ¿qué nos están contando?

'Escape from Tomorrow' es una comedia, sí, pero también una tragedia. Un viaje al abismo de la mente y una regresión al feliz estado del niño. La última pizca de lucidez que nos queda y los infinitos fantasmas que nos acechan. 
Randy Moore ha hecho lo impensable: nos habla con metáforas, paradojas y simbolismos del terror a la vida adulta que tratamos de evitar.

La Leyenda del Samurái: 47 Ronin (2013), de Carl Erik Rinsch

'47 Ronin' es desconcertante. 
Como si reflejara los múltiples problemas de producción que ha tenido, la película es un lío de sensibilidades, puntos de vista e historias en las que creo que su primerizo director, Carl Erik Rinsch, ha metido poca mano. 
Más bien Keanu Reeves, que buscaba un retrato fiel de los 47 ronin, y el estudio, que quería un '300' a la japonesa, han tenido mucho que ver y el resultado es desigual.

Nymphomaniac. Volumen I (2013), de Lars Von Trier

"Este es un cuento moral" comienza Joe, una medida Charlotte Gainsbourg, a contarnos. 
Y en cierta manera así es. Seligman, el hombre que la encuentra en la calle, no está tan interesado en acostarse con ella como en escuchar su historia como el espectador. Los apuntes que introduce podrían venir de mi boca, y Joe me mira directamente a los ojos. 
¿Buscamos moralidad aquí? Quién sabe, pero lo que no se puede negar es que en 'Nymphomaniac' hay una satírica y puede que hasta retorcida mirada al mundo de ojos de la persona más sincera que hemos podido encontrarnos.

No es una exploración sobre el sexo necesariamente. La ninfómana protagonista podría ser cualquiera, y su adicción solo justifica encuentros, desengaños y vías de escape. 
Algo parecido significa para Seligman el arte, y por eso siempre intenta buscar la manera de conectarlo a la vida de la protagonista. Pero para Joe el arte no es nada, se define como ignorante. Y sin embargo, encuentra su propio tipo de "arte", que en todo momento se hermana a las didácticas explicaciones de Seligman sobre la pesca, sobre Poe y sobre el cantus firmus. 
El sexo, lo bajo y lo irracional como respuesta a lo elevado, racional y sensorial. Es solo una de los descubrimientos que nos lega la vida de esta ninfómana de la cual queremos escuchar un relato.

Mucho Ruido y Pocas Nueces (2012), de Joss Whedon

Uno no puede menos que sonreír ante este simpático experimento que se ha marcado Joss Whedon. 
Como si de una función escolar se tratase, y aplaudirás igual que si vieras a un familiar. Leer que esto lo hizo entre rodaje y montaje de 'Los Vengadores' solo añade puntos. 
Es crear por crear, damas y caballeros, la esencia misma del arte la que Whedon destila aquí, y nos invita a disfrutarla con él.

Que la apariencia contemporánea no os engañe, es puro Shakespeare lo que uno se encuentra, perfectamente encuadrado con la química que los actores destilan. 
Y pese a que se hable de caballos, o guerras, o incluso títulos de nobleza se participa en el juego porque, simple y llanamente, la cosa funciona.

La Gran Belleza (2013), de Paolo Sorrentino

Los espléndidos palacios del Renacimiento, con los obscenos áticos de los privilegiados. 
El patio de infancia santo, con las fiestas decadentes en las que suena 'Mueve la Colita'. 
Las bellísimas estatuas romanas, con el bótox, la decadencia, las entradas, la obesidad. 
La naturaleza, con lo desnaturalizado, lo abandonado, la lenta deriva hacia la muerte.

Roma, vivir Roma, ser Roma. Estamos atados por nuestra mundanidad. Incluso aquí, en la ciudad eterna, somos menos que nada, pero seguimos buscando la belleza. 
Claro, la belleza. Como si fuera algo tangible, algo material, algo que te levantas un día y ves. (Ojalá)

Bienvenidos al Fin del Mundo (2013), de Edgar Wright

Casi sin darnos cuenta, se nos acerca la treintena. 
Atrás quedan los tiempos felices, tiempos de lucha, inconformismo, puede que incomprensión, pero sobre todo de felicidad. Preguntarse qué ha sido hoy de esos tiempos suena a broma macabra, casi a burla cruel, y lo peor es que quienes los compartieron te dicen que mejor no mirar. ¿Si éramos tan felices, solo al inicio de nuestras vidas... por qué a mediados de ellas no lo somos más? 
Edgar Wright toma esta generación, las que vendrán y las que se fueron, para contarnos en una carta de amor sentida al género lo que ya sabíamos: que no siempre ganamos.

Son palabras mayores, sobre todo en una historia que pretende ser cómica, colar semejante reflexión, sobre nuestra decadencia y sobre los lugares en los que hemos sido felices, a los que no deberíamos tratar de volver. 
Edgar Wright ha madurado, como narrador y como espectador, y en una de las trilogías más redondas jamás hechas nos habla un poco de nosotros, de lo que somos, de adónde hemos llegado. En su tercera entrega, irónicamente llamada 'The World's End' (no por casualidad, la más autoconsciente de en qué lugar se encuentra en su filmografía).

Frozen: El Reino de Hielo (2013), de Chris Buck y Jennifer Lee

'Frozen' se enmarca en una de las dificultades más duras que puede encontrar una película Disney: nuestra propia incapacidad de dejar libre nuestra imaginación, y el arqueamiento de ceja que suponen a estas alturas muchos de los 'clichés' que hace no mucho se le permitían. 
Ante esto, resulta reconfortante, y hasta temerario, que los animadores en Disney hayan creído ciegamente en su concepto. Pero no solo eso, sino que además están plenamente enamorados de él, de todas sus posibilidades. 
Y precisamente, si de algo habla 'Frozen', y muy bien, es del amor. Ella misma, literal y alegóricamente, es un acto de amor.

Los Juegos del Hambre: En Llamas (2013), de Francis Lawrence

De la forja de un símbolo revolucionario, de eso va 'Los Juegos del Hambre: En Llamas'. 
Un tema bastante pantanoso, sobre todo en los tiempos que corren de ataque contra el sistema, que podría suponer un paso en falso hacia la consolidación de una franquicia que busca ofrecer la idea de que sí, otro tipo de orden es posible. 
Y sorprendentemente, lo consigue.

Hay que recalcar que 'En Llamas' es secuela de manual: aumento exponencial de los peligros de su primera parte, contemplación velada por el tiempo de los temas que ahí se trataban, y consecuencia directa de la misma. 
Si la Katniss que vemos al principio de esta historia es la que es, es porque hará un año la obligaron a hacer cosas de las que todavía deberá librarse para poder llegar a ser quien tiene que ser.

Blue Jasmine (2013), de Woody Allen

Todo sea dicho, las risas del público cada vez las entiendo menos. 
No es que reírse en una película esté mal, cada cual opinará lo que quiera, pero cuando la nueva historia de Woody Allen empieza y vemos a una Cate Blanchett desmoronada contando su vida entera a quien la quiera escuchar, y el público ríe, uno se pregunta si de verdad están entendiendo la desgracia de esta mujer inútil (y si de verdad no tendrán el mismo pensamiento que ella). 
Allen convierte 'Blue Jasmine' en el reino de la sonrisa congelada, y en reírme de esta colección de hipócritas sería en lo último en que pensaría.

'Prisioneros' (2013), de Denis Villeneuve

'Prisioneros' se abre con uno de los inicios más potentes, y la vez más elocuentes, en años. 
Un hombre, Keller Dover, pronuncia un padrenuestro en un paisaje nevado, mientras acecha con su hijo un ciervo al que acaba disparando. Solo el espectador es consciente de la paradoja: de igual manera que Dios nos libra de la tentación, del mal, nos da nuestro pan de cada día... no protegió a ese ciervo de la muerte. ¿Era menos ser vivo que nosotros?

Es solo uno de los pequeños apuntes sobre nuestra perversidad que establece la historia, estructurada alrededor de una desaparición y las consecuencias que va acarreando en su entorno. 
No nos damos cuenta, pero la desconfianza, el odio, se van instalando en las vidas de los antiguamente apacibles habitantes de un pequeño pueblo rural de Norteamérica (esas sociedades cerradas, que guardan más secretos de los que dejan ver...).

'Metallica: Through the Never' (2013), de Nimrod Ántal

Mira que hacer un amago de Pink Floyd's "The Wall" y no finiquitarlo tiene delito... pero así es. 
Metallica no tiene interés en dejar que sus canciones den nueva vida a otras historias, sino que quieren transformar esto en su propio y particular auto-homenaje.

Ningún problema, en realidad. 
Aunque los años hayan pasado, llenan la pista como nadie y la película se encarga de mostrarlo en todo su esplendor en su concierto de hace unos años, con una escenografía y tarima espectacular, juegos de luces con fuego, y enormes focos. 
Sin embargo, notas cuando el operador de cámara lleva unos cuantos planos de James Hetfield y Lars en los que ya no sabe como enfocarlos. En esos momentos, habría estado bien centrarse en la otra historia que tiene lugar en el film y haber dejado de lado un concierto que, a fin de cuentas, podrá verse de miles de otras maneras.

'Capitán Phillips' (2013), de Paul Greengrass

Existen pocas historias que te obliguen, con perdón de la expresión, a poner los cojones encima de la mesa. 
Cuando se aborda una situación de calado político y moral, lo más normal es que sus responsables se echen atrás con los conceptos que plantean y aboguen por cierta "humanización" de todas las partes implicadas. Vamos, como se vió en 'United 93', del propio Greengrass, donde un terrorista dudaba hasta el último momento de realizar su cometido. 
Greengrass se ha librado en esta ocasión de esas dudas y factura una historia que, en primer lugar, construye una tensión inaudita, y después busca tu cabeza.

Tom Hanks es el Capitán Phillips del título, un padre recto y disciplinado como bien se nos muestra en una pequeña pero significativa conversación inicial (en la que, por cierto, más valdría cambiar a Catherine Keener por una maceta, por poner un punto negativo). 
A partir de un hecho fortuito, su carguero rumbo a África se ve interceptado por piratas somalíes, dando inicio a un juego de astucia y tensión, aumentando el riesgo por parte de unos secuestradores poco proclives al diálogo y (el mejor/más horrible puñetazo del film) a la lógica.

American Horror Story: Coven 1x01: Bitchcraft

Este año le ha tocado el turno a las brujas (algo que parece que han copiado alguna que otra cadena, estrenando también alguna serie sobre el mismo tema, la misma semana), una historia que se inspira (y bebe) de la caza de brujas de Salem, ocurrida entre 1692 y 1693. Como es costumbre, Murphy y Falchuk proponen su singular visión de esta historia, centrándose esta vez en un aquelarre de brujas actual, por supuesto, en Nueva Orleans. Las piezas han sido introducidas y puestas sobre la mesa de forma magistral con un comienzo perfecto que no hace si no dar el pistoletazo de salida a la que puede ser la mejor temporada hasta el momento.

A partir de aquí, SPOILERS

The Crazy Ones 1x01: Piloto

El jueves, la CBS estrenó "the crazy ones", una de las nuevas comedias de la cadena para esta temporada, protagonizada principalmente por el veterano Robin Williams y por la ex-cazadora de vampiros Sarah Michelle Gellar (y obviemos Ringer mejor). El piloto funciona bastante bien como introducción de la historia de estos dispares padre-hija y sus aventuras en su agencia de publicidad. Cuenta con una ventaja de cara al futuro y es que pueden utilizar a cantantes/actores famosos para próximos episodios, dada la temática. Si bien no es un episodio perfecto, si deja un buen sabor de boca y con ganas de ver más episodios. Eso sí, creo que te tiene que gustar Robin Williams y su particular forma de hacerse con el personaje.

A partir de aquí, SPOILERS

Dexter 8x12: Remember the monsters?

Este domingo Showtime emitió por fin el último episodio de Dexter, con el cual hemos dicho adiós al carnicero de la bahía, tras ocho años de intensas (unas más que otras) aventuras. El final ha generado bastante polémica, dividiendo a la gente entre los que lo han considerado un final decente (entre los que me encuentro) y los que lo han considerado la guinda de una mala temporada (e incluso de una mala racha). Sea como sea, yo en estos casos siempre pienso que, con independencia del final (o incluso de las últimas temporadas), hay que valorar a la serie como un todo y recordar también los grandes momentos que nos ha dejado. Dicho lo cual, veamos qué ha deparado este final.

A partir de aquí, SPOILERS

La Espuma de los Días (2013), de Michel Gondry

Al principio, Boris Vian, autor de el libro en que se basa, nos avisa "Esta historia es totalmente real. Así la imaginé yo." 
Un pequeño recordatorio, una vez más, de que la vida sin fantasía, sin capacidad de ver lo extraordinario en lo ordinario, no tendría sentido.

Por eso durante unos segundos, nuestra mente amenaza con estallar y no ver más. 
Michel Gondry, qué sorpresa, ha cruzado la línea sin red, sin ningún tipo de reserva, capturando la historia sobre un amor colosal y loco en un París deslumbrante de maravillas. 
¿Hipérbole injustificada? Yo creo que no. ¿Cuántas veces el amor no es una fuerza que arrastra con todo y transforma nuestro mundo en algo más de lo que era antes?

Rush (2013), de Ron Howard

Cuando la fama se quedaba pequeña para desafiar, empezaron a arriesgar la vida. 
'Rush' nos mete de lleno en el mundo de la Fórmula 1 y las normas que lo rigen, pero en el fondo no le interesa eso, no al menos tanto como la rivalidad entre sus dos protagonistas, James Hunt y Niki Lauda. 
Evitando en la medida de lo posible un claro favoritismo, la imparcialidad es virtud aquí. No hay un ganador o un perdedor, cada uno de ellos ganó y perdió en cierta manera.

La Fuente de la Vida (2006), de Darren Aronofsky

¿Qué es el amor entre dos personas? 
Tinta indeleble, escrita y marcada en la carne, símbolo de un compromiso infinito que nos permitirá encontrarnos, no importa en que tiempo estemos.

'La Fuente de la Vida' es la historia de una lucha. La lucha contra el más implacable de los enemigos, el tiempo, causa de vida y muerte, de un ciclo que debe perpetuarse a la fuerza. 
Tom, a lo largo del propio tiempo, intenta vencerlo, doblegarlo, pedir prestado solo unos pocos minutos más para su amada Izzi. No se da cuenta de que querer más tiempo es perder tiempo, que esa oportunidad de estar con su mujer bajo la nieve solo será una vez, después no volverá. 
Se pasa la vida pensando, analizando y recolectando, mientras su mujer aprende a vivir sin pesar. Malgasta el poco tiempo de vida que le queda a ella sin disfrutar de su sonrisa.

Buscando un Amigo para el Fin del Mundo (2012), de Lorene Scafaria

Siempre está el caso de la película que acaba siendo algo diferente de lo que empezó siendo. 
Está mal cuando se traiciona a si misma, bien cuando lo que acaba desarrollando es algo que ya estaba en sus primeros pasos. 
Encima, Steve Carell y Keira Knightley. Ojocuidao.

Esta vez, la novedad es el apocalipsis desde una perspectiva "amable". 
Con lo que yo considero que es un gran guiño y mofa a 'Armaggedon' se abre una comedia tremendamente destructiva a veces, inocentona las más. Es un mal menor, considerando que a la directora le interesan otras cosas, como demuestra más adelante.

El Llanero Solitario (2013), de Gore Verbinski

Nos hacemos viejos. 
Como si se tratara de Toro en el diorama del principio, una reliquia de otra época, la crítica y público mundial, obsesionados con que todo rezume seriedad y trascendencia, han cargado contra 'El Llanero Solitario' con los mismos argumentos caducos de siempre, buscando inútiles paralelismos con 'Piratas del Caribe' y queriendo hundirla antes de tiempo. 
Esta historia no es para ellos. Muy al contrario, es para ese niño soñador y bienpensante que todos llevamos dentro. Una historia extrañamente crepuscular pero sin prejuicios, queriendo contar la verdad sobre dos héroes unidos por una búsqueda común, que ni eran tan buenos ni tan perfectos.

'El Llanero Solitario' es el mayor parque de atracciones que Disney ha podido traer a la gran pantalla. Lleno de emoción, aventuras, villanos grandes como la vida, amores que sobreviven al tiempo y miles de secuencias para el recuerdo. 
Además, quizá soy solo yo, pero veo raíces de Peckinpah, Leone y Buster Keaton en este "grandes éxitos" del Salvaje Oeste. PECKINPAH EN UNA PELÍCULA DISNEY. Verbinski metió la mano, claro, no al nivel de su otro western alucinógeno, 'Rango', pero muy cerca.

Mud (2012), de Jeff Nichols

'Mud' tiene sabor al último verano de tu infancia. 
Aquel en que descubriste que ni todas las personas son buenas, no todas las causas son justas y ni mucho menos el amor cambia a nadie.
Todas esas emociones, encapsuladas en un pequeño pueblo de Norteamérica, donde las tardes huelen a aventura y encontrar cualquier rareza en el bosque se convierte en el descubrimiento de la semana. Donde hay una ligera posibilidad de "no crecer" mientras nos aguante la inocencia, eso que dura tan poco y cada vez menos tiempo.

Dos chicos, Ellis y Neckbone, encuentran un barco en la copa de un árbol, dejando así espacio para la fantasía mientras dure. Allí conocerán al carismático Mud, un vividor que espera pacientemente el momento de reunirse con su amor verdadero, Juniper. 
Como los antiguos caballeros, Mud carece de armadura, pero tiene su camisa de ojo de lobo y sus botas de tacón de cruz. Carece de medios, pero le sobra valentía. Y como los antiguos caballeros, espera el momento de rescatar a su amada del dragón. La conexión con el joven Ellis es inevitable: decidido a creer en una cruzada más grande que él mismo, ayudará a Mud para creer que el amor verdadero puede tener un lugar en su mundo.

I'm Still Here (2010), de Cassey Affleck

Desnudez total de Joaquín Phoenix. 
Ya queda lejano ese momento en que el actor decidió renunciar al cine de improviso e iniciar una carrera en 
No quedan muy claras las razones de por qué lo hizo. Pero si algo se desprende de este documental, es lo que intentó mostrar.

la música hip-hop, cayendo en la burla popular y el total hundimiento personal.

Se alternan momentos esenciales con aquellos en los que no pasa nada, simples "entretomas" que lo único que aportan es que Joaquín se volvió un redomado gilipollas. 
Como un lento despertar, vemos como tras cada una de las bromas, de los vídeos de YouTube con los que nosotros nos reíamos, tenían efecto en una persona, no importa que tuviera dinero o fama, porque todos le dimos la espalda.

Cómo ser John Malkovich (1999), de Spike Jonze

Una puertecita tras un archivador que conduce a la mente de John Malkovich. 
Como si de Shakespeare se tratara, la intrusión de un elemento puramente fantástico en una realidad casi absurda hace cuestionar las pequeñas cosas. 
En un juego de identidades de repuesto y de marionetas controladas por sus amos, Spike Jonze analiza nuestro miedo a cambiar, pero sin dejar de desear ser otra persona. La irracionalidad hecha cine, eso intenta capturar.

No es casualidad que su protagonista sea un titiritero, ese siempre agradecido John Cusack haciendo de Craig, un parado sin ambiciones ni ilusión, porque carece de los incentivos para hacer nada más con su vida. En un mundo donde celebridades financian películas con su nombre, ¿a quien le apetece luchar para ver su nombre en las portadas?

Kick-Ass 2: Con un Par (2013), de Jeff Wadlow

A quien le haya gustado 'Kick-Ass' no tendrá nada que despreciar aquí. 
Una secuela que corrige ciertos errores pasados, amplia universo y tiene el buen ojo de aprovechar su personaje más carismático (Hit-Girl) para gran parte de la narración. 
El problema sigue siendo la inexistente adaptación del cómic original, más bien parece que le ha cogido personajes y solo parte de la trama, y esa extraña mezcla de comedia-violencia que nunca acaba de cuajar.

Mi teoría: a 'Kick-Ass 2: Con un Par' le faltan, valga la ironía, cojones para entrar en materia del tema que trata. 
Está claro que si quieres algo más maduro sobre superhéroes reales te vas a 'Watchmen' pero cada escena de esta película como de la anterior me dan la sensación de que optan por tomarse a broma su argumento a riesgo de meterse en líos serios. 
Como alguien que cuenta un chiste de humor negro y se corta a la mitad porque no se atreve a decirlo. Algo como eso.

Dolor y Dinero (2013), de Michael Bay

"Me llamo Daniel Lugo, y creo en el fitness" 
Esas son las primeras palabras de la particular odisea de tres culturistas hacia su propio Sueño Americano, asfaltado de crimen, drogas, putas, asesinatos y esteroides. 
Michael Bay se olvida de sus robots gigantes y decide contarnos una historia más pequeña, más personal. El problema, y auténtico placer para el espectador, es que a este tipo no le sale una "historia pequeña" ni queriendo.

Daniel Lugo es el clásico perdedor, bueno en sus músculos y malo para todo lo demás, con ambición pero con demasiado buen corazón para llevarse las cosas por su cuenta. 
Hasta que llega un despreciable ricachón que ha hecho su fortuna rapiñando de aquí y allá, por lo que a Daniel se le enciende la bombilla: ah... ¿que se puede robar y estafar para vivir mejor?

Frances Ha (2012), de Noah Baumbach

La vida pasa y pasa, y al final, te puede acabar pasando por encima. 
Frances Haraway es una chica normal, de clase media, que sabe pasárselo bien, trabaja en lo que le gusta, amiga de sus amigos (sobre todo de su mejor amiga) y que no tiene mucha más preocupación en la vida que, como se suele decir, "ir tirando". 
Pero resulta que, llegado el momento, "ir tirando" no es suficiente. Resulta que la vida hace planes, y si no los haces tú a su vez puede haber problemas.

'Modern Love' de David Bowie. 
Como un mantra de la propia película, aquella canción que hablaba de amores apresurados, de metas a las que llegar y de decisiones que tomar suena incesantemente mientras Frances recorre las calles neoyorquinas, buscando que su mundo no se escape, corriendo para que el presente se quede un poco más. 
Y como en aquella canción, ella dice "no pienso caer en esto". No lo expresa explicitamente, pero en su diálogo, sus andares, su comportamiento vemos una niña que no quiere crecer. Que debe ocupar por fin su cáscara de mujer y le queda muy grande.

Pacific Rim (2013), de Guillermo del Toro

"Pacific Rim' es potencia.

Potencia derivada de sus planteamientos, pero también de su director Guillermo del Toro, del que se nota que ha hecho lo que quiere hacer, pero (y aquí lo importante) sabiendo cómo hacerlo. Es la clase de film que conoce lo increíble de su trama y ante eso escoge la salida más comprometida, que es currarse a base de bien los personajes para que cuando veamos un robot gigantesco también veamos dos personas en su interior. Y si algo no se le puede negar a esta película es la importancia de su factor humano: importa cada simple personaje que aparece en pantalla. Del Toro se curra cada uno de ellos con corazón (una palabra muy importante aquí) y evita reducirles al mínimo común escenografía.
Raleigh Beckett y Mako Mori son las estrellas aquí, dos almas con heridas pasadas que se unen, vuelven y se levantan para una última batalla. Su pilar base es simple: la unión hace la fuerza, mantra que se extiende a toda la historia.

Lobezno Inmortal (2013), de James Mangold

La pregunta más difícil que tiene que responder 'Lobezno Inmortal' es "¿hace falta otra película de Lobezno?" 

Tras la muy decepcionante 'X-Men Orígenes: Lobezno' y haber madurado bien la saga sin él en 'X-Men: Primera Generación' parece que queda poco espacio para que el mutante de las garras vuelva a sorprender. Pero hete aquí que Hugh Jackman se arma de James Mangold, uno de los arcos más interesantes del personaje y ganas de hacer las cosas diferentes (aunque tampoco mucho). Donde 'Lobezno Inmortal' realmente gana es en su planteamiento: no es tanto otra aventura mutante sino un 'thriller' japonés con un protagonista fuera de lugar. Simplicidad de ambiciones por bandera, en vez de salvar el mundo, la idea es Lobezno salvándose a si mismo de sus demonios personales y su incapacidad de avanzar en un mundo que le ha dejado atrás. La historia se sostiene por, para y según Logan, al que Hugh Jackman ya tiene totalmente pillado el punto, y trata de replantear sus razones para vivir cuando ya se ha quedado sin ellas. Vemos su tormento por la muerte, hace años, de Jean Grey y como eso le privó de cualquier ambición personal, solo esperando el día de su muerte. 

Expediente Warren: The Conjuring (2013), de James Wan

James Wan, ese perro viejo del género.
No es que sea un genio componiendo planos o escenas, pero es lo suficientemente inteligente como para resolverlas bien y (sorpresa) hacer que todo tenga cierta cohesión.
Tampoco es demasiado, pero basta para facturar una película de terror con cierto sabor añejo y buenas ideas.

Ante todo, la calma: donde otros guiones menos pensados hubieran optado por presentar a los protagonistas, los Warren, unos milimétricos Patrick Wilson y Vera Farmiga, como una pareja de raros, aquí son todo lo contrario, un matrimonio felizmente rutinario que solo tienen un 'hobby' inusual.
En estos dos reside el secreto de la cinta, que mima a sus personajes como nadie y se cuida mucho de que queden distanciados del habitual festejo de secundarios que aparecen para decir dos frases. Resulta que la madre recibidora del maleficio no solo aparece como elemento circunstancial, sino que en dos minutos establece un nexo sentimental con Lorraine Warren para que te quede claro que, sí, también la familia acosada tiene cosas que perder.

Maniac (2012), de Franc Khalfoun

No tanto una película, como un punto de vista. 

Franck Khalfoun nos lleva a los ojos de un psicópata en esta historia, carente de juicios y de valores. En ningún momento se valora al personaje principal o lo que hace, porque no hay lugar, somos él, hacemos lo que él, vivimos como él.

The Purge, La Noche de las Bestias (2013), de James DeMonaco

Currarte un buen guión no es cuestión de talento, solo trabajo.

Una buena idea, nada más, es lo que se necesita para contar una historia. A partir de ahí, saber aprovechar sus puntos fuertes y débiles.

La idea que sustenta 'The Purge' es, de hecho, una de esas que sorprenden por su rotundidad: una noche al año en la cual el ser humano puede dar rienda suelta a todo lo que se le ocurra sin consecuencias, asesinatos, robos, palizas, violaciones...

Monstruos University (2013), de Dan Scanlon

Mucho se ha dicho de la reciente baja forma de Pixar.

Honestamente, para mi la compañía del flexo sigue facturando historias increíbles de originalidad y factura imbatible. Lo único que le ha pasado en los últimos tiempos, creo yo, es que se han hecho conscientes de ese fuerte y lo han calculado demasiado. Ya no te hacen reír sin motivo, tienen cinco gags dispuestos para que sea así.

'Monstruos University' no es diferente en esa línea "controlada" pero se salva por cada uno de los momentos que uno de sus guionistas ha dicho "pues vayamos por el otro lado".

Hick (2011), de Derick Martini

Supongo que, quién más, quien menos, ha visto el típico pueblo de carretera. 
O quizá alguna casa aislada, de esas que se ven a veces a intervalos conectando con alguna gran autopista, que parece haberse quedado fuera (pero conectada con) el llamado "progreso". Produce cierta curiosidad un poco tonta preguntarse si la gente que vive allí tendrá sus familias como todos, si los hijos se crían en un entorno carente de influencias culturales, y solo aspiran a parecerse a sus padres, vivir y morir en el pueblo. 
'Hick' toma como escenario esa imagen típica, y cómo las cosas no son lo que parecen, sobre todo en el profundo sur estadounidense.

Vamps (2012), de Amy Heckerling

Es curioso lo que puede dar de sí el género vampírico, y lo poco que se aprovecha. 
Lo primero que sorprende de 'Vamps' es su apuesta divertida, desprejuiciada y hasta juguetona de este tema: los vampiros van a terapias en grupo y tienen problemas mundanos, tienen que ver con el amor, sí, pero no más de lo que le pasaría a cualquier hijo de vecino. 
Ni tan atormentados, ni tan liberales, el punto intermedio cotidiano.

Guerra Mundial Z (2013), de Marc Forster

'Guerra Mundial Z' es una película a medio cocer. 

Desde el principio, apuesta por una estructura de no parar, de constante tensión en que el protagonista es perseguido y cada vez encara situaciones más desesperadas contra los muertos vivientes que se han convertido en pandemia global. 

En ese contexto la idea de fondo, de un planeta dominado por seres ultrarápidos y bestias que no se detienen ante nada, podría haber dado un juego tremendo como lo hace en la novela de Max Brooks, y sin embargo aquí no se acaba de explorar del todo por, digo yo, miedo a que la película sea algo más oscuro respecto a la naturaleza humana.

El Fantasma del Paraíso (1974), de Brian De Palma

Cada nueva adaptación de un clásico debe (o debería) volver a recordarnos por qué nos sentimos fascinados por él, y desenterrar otra capa más de su aura mítica. 
Despellejar la carne hasta que solo quede el hueso, buscar incansablemente a través de nuevos medios con el único propósito de formular las mismas preguntas, y ver si somos capaces de responderlas de manera diferente.

'El Fantasma del Paraíso' es una mezcla de esas historias prometeicas, que da luz a toda una nueva visión sobre estos clásicos. 'Fausto', 'El Fantasma de la Ópera', 'El Retrato de Dorian Grey' y 'Frankenstein' se dan cita en los fotogramas de esta arriesgada apuesta, reconstruyendo un nuevo mito a través de piezas de estos referentes. Y encima añadiendo como telón de fondo la escena musical rock de los 70. 
Si algo tienen en común todas estas obras es la consumación de la máxima belleza a través de la corrupción de la misma: en todas ellas, lo amoroso se vuelve doloroso, y toda lucha es una obsesión febril contra la propia destrucción.

Evita (1996), de Alan Parker

Es casi una temeridad hacer un gran musical sobre la vida de Eva Perón protagonizado por Madonna. 
Pero detrás está Alan Parker, quien, algo más listo que el público, supo ver las evidentes similitudes de vida entre ambas personas y aprovechar la oportunidad. 
Ambas, mujeres que triunfaron solo con lo puesto, superando el abuso de muchos, gozando del favor de otros, odiadas por gran parte de la población, amadas por el resto. 
A Eva Perón se la calificó como "la Madonna de Argentina", por lo que el resto es silencio.

Esta gran historia musical se abre con la pantalla de cine como irónico espejo de la realidad: los espectadores, tan callados y ausentes mientras se proyecta el drama, lloran cuando se interrumpe y les anuncian la muerte de su gran Primera Dama. 
Antonio Banderas, ese extraño desconocido de pueblo llano, parece decirnos con sus ojos lo que los demás no se atreven a expresar: están llorando por un drama tan recargado y melodramático como el que han visto en pantalla.

A partir del extraordinario libreto musical de Andrew Lloyd Weber, vemos pasar a Eva por todas las etapas de su juventud, desde el chispazo inicial de querer ser parte de la gran manzana bonaerense hasta su colección de amantes despechados. 
Si bien no queda otra que sentir repulsa por una mujer manipuladora y agresiva, no es menos cierto que tan solo aprovechó su oportunidad: no quiso conformarse con nada ni nadie, y siempre buscó una razón en el futuro para seguir adelante aunque la sonrisa le fallara, o le dejaran por enésima vez la maleta en el pasillo.

La Última Noche (2002), de Spike Lee

"Enfrentemos nuestros pecados." 
Parece decir Monty Brogan, ese sensacional Edward Norton, en sus últimas horas antes de la cárcel, un mundo que no entiende ni quiere conocer. 
Lo que a primera vista puede parecer una manera ejemplar de aceptar las consecuencias de tus actos, pronto se revela pura fachada: Monty llora y patalea, tras esa coraza de hombre hecho a si mismo se encierra un chiquillo asustado. 
Un niño que va a perder sus juguetes y se ha dado cuenta demasiado tarde de lo que significa estar en un mundo de adultos.

'La Última Noche' es la historia de una pérdida de inocencia. 
Pero no de la típica que asalta entre el mundo infantil y la madurez, sino la propia que más tarde o más temprano nos sobreviene a todos en forma de puñaladas traperas. Cuanto más crees tener estabilizada tu vida, más fácil es que te den el hachazo y te obliguen a dejarla atrás. 
El precio a pagar por Monty es simple, es el de su propia estupidez, solo que esta vez no está detrás la mano buena de un padre o un amigo que te saque del apuro. Esta vez, has mosqueado al Sistema, con mayúsculas, y debes pagar.

La Delgada Línea Roja (1998), de Terrence Malick

La delgada línea roja. 
Ese pequeño trazo del mapa que solo los coroneles ven puede ser para ellos solo otra posición estratégica, solo otro punto a conquistar y limpiar de enemigos. 
Pero para los soldados de esa línea, es otra cosa: una realidad de muerte, confusión y dolor. Un paréntesis extraño que te arroja fuera de cualquier tipo de calidez.

La ubicación ya es simbólica de por si, la isla de Guadalcanal en la 2º Guerra Mundial. Con todas las atrocidades que sucedían en el Viejo Continente, parece hasta irresponsable situar la contienda en una isla perdida del Pacífico para elaborar esta historia bélica. 
Y sin embargo lloramos, nos maravillamos, estamos dentro de un conflicto como ningún otro. Dar notoriedad a algo que para muchos solo eran estadísticas al otro lado del mundo refuerza el mensaje de esta película. 
No se trata de ninguna infiltración en el Berlín ocupado, solo la toma de una colina. Tan solo conquistar un pequeño pedazo de tierra.

En ese lugar inhóspito se presenta un gran grupo del ejército, cada uno habiendo abandonado su felicidad atrás. Por qué, nunca lo sabremos, por qué esta guerra, por qué esta crueldad... demasiados por qués sin respuesta. 
Alterando la paz de los nativos, que tranquilos están (increíble aquel hombre andando tranquilamente entre el batallón), y trayendo el sonido de la muerte a lo que antes era una colina silenciosa. Otra vez nos tendríamos que preguntar por qué hombres buenos van a lugares alejados de sus casas y apuntan a la cabeza de su prójimo, otra vez sin respuesta.

Stoker (2013), de Park-Chan Wook

¿Naces... o te haces? 
La pregunta que plantea 'Stoker' es demasiado sencilla. Pero dentro, encierra múltiples matices, desacordes y experiencias.

Park Chan-Wook lo sabe y por eso opta en convertir la película en la experiencia sensitiva más brutal que el cine ha visto en, me atrevo a decir, años. Nunca con tan simples cimientos se pudo construir algo tan perturbador y fascinante. 
La tranquilidad está en la vena de toda la película, la cual no tiene prisa ninguna por mostrar sus cartas. Se regodea ella misma con la palpable incomodidad de los personajes, atenta sin embargo a cualquier explosión de mezquindad que se asome a la pantalla.

Berberian Sound Studio (2012), de Peter Strickland

El 'giallo'. 
Aquel género fruto de las mentes de un par de visionarios que, por cultura o simple inspiración, renovaron toda una manera de ver el terror, o concebirlo en pantalla. Una renovación que sugería cierto espíritu cultivado, de locos o genios, aunque esa frontera muchas veces se disipa. 
Se ha dicho que 'Berberian Sound Studio' es un 'giallo'. No lo es. 
Es un animal nuevo, diferente y sangrante, que como aquel género hiciera hace un par de décadas, coge sus hoy desgastados huesos y los lleva al siguiente nivel: el de la locura subconsciente.

Retrato de una Obsesión (Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus, 2006), de Steven Shainberg

El proyecto casi suicida de hacer una biografía sin ser una biografía. 

Y no de una artista cualquiera, sino de Diane Arbus, la famosa retratista de enanos, siameses, gigantes y marginados sociales; una visión del mundo en el cual lo turbador era la norma. 

Afortunadamente, la suma de otra visión diferente, la del director Steven Shainberg, impide que esto sea otra película de "ascensión y caída" y en su lugar, podamos realmente apreciar quién era Diane Arbus.

Iron Man 3 (2013), de Shane Black

En uno de los múltiples elementos de metareferencia que se guarda 'Iron Man 3' en la manga, un niño no para de preguntar por los Vengadores al protagonista. Como si nosotros fueramos ese niño, Tony le dice que de eso está prohibido preguntar. 

No se trata aquí de ningún supergrupo salvador de la humanidad. Tampoco se trata de Iron Man, la reluciente armadura expiadora de los pecados de su portador. Se trata solo de Tony. 
Y, realmente, solo queremos que nos cuenten la historia de Tony Stark.

Amor y Letras (2012), de Josh Radnor

Llega un punto en que ya a todas estas películas indie de la "coming-of-age" se les ve el plumero, por mucho que se esfuercen en innovar o dar vueltas sobre lo mismo. 
Por eso, se agradece que Josh Radnor: 
a) Parezca hablar más desde su propia experiencia que desde su propia imaginación. 
b) No oculte sus deficiencias como director y consciente de ellas, tampoco se haga el "autor". 
Sinceridad y humildad, las mejores armas para presentar cualquier historia.

El caso es que la propuesta de 'Amor y Letras' (me gusta más el más sugestivo 'Artes Liberales', pero bueno) no es poco ambiciosa: nada más que un retrato generacional acerca de nuestra propia madurez, vista en diferentes personajes y de diferentes actitudes. 
Lo que podría haber sido algo demasiado rígido, Radnor lo destensa cuidando que cada uno de sus personajes sea querible y humano, a la vez que dejando cierto espacio para que la trama respire por su cuenta. Un film "en" la universidad, que no "de" la universidad, esa cantera de futuros triunfos y fracasos.

To the Wonder (2012), de Terrence Malick

Sorprende.

Terrence Malick ha dejado de creer en la Humanidad, en nuestra capacidad de redención y perdón. En lugar de eso, se mueve alrededor de nosotros y filma. Solo filma.


El resultado es la película más dura de su filmografía, una historia donde ya no son las circunstancias las que nos alejan del ser querido, solo somos nosotros.

Oblivion (2013), de Joseph Kosinski

Hoy en día, cuando resulta difícil si no imposible encontrar nuevos recovecos en la ciencia-ficción, cuando todo parece condenado a repetir los éxitos de antes bien aguados... llega 'Oblivion'. 

El reino de las nubes, la Tierra que quedó olvidada.
La principal razón por la cual esta película será un auténtico referente es porque se trata de un drama intimista escondido tras una supuesta épica de ciencia ficción. La épica presente tiene más que ver con un magnífico gusto por los escenarios naturales y abiertos que con la acción espectacular.